專業剖析|攝影——透過鏡頭看世界

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通過鏡頭語言來詮釋對世界時間和空間的認識，四季輪迴，日夜更替，人情冷暖，盡數在鏡頭之下展現的淋漓盡致。即使沒有傲人的身材，即使沒有超高的顏值，在出色的攝影師面前你都是最完美的模特，這就是攝影的魅力！

世界那麼大，扛著相機走走停停;世界那麼大，我想感受「以吾之力，以達天際」的震撼與遼闊！

揭開攝影的神秘面紗

攝影是指使用專業設備進行影像記錄的過程，一般我們使用膠捲照相機或者數碼攝像機進行攝影。攝影家的能力就是把日常生活中稍縱即逝的平凡事物轉化為不朽的視覺圖像。

攝影作為攝影師連接現實世界與真實世界的媒介，憑藉豐富的視覺圖像語言表達個人深刻的生命體驗、價值評判、哲學反思，從而以個人對於世界真相的領悟賦予圖像豐富的故事性，令讀者見作者所現，欣賞、品味、認知攝影師眼中的真實。

攝影是一門用「光」的藝術。這裡的光是自然光線，也指花光我們的money。即便這樣仍然有眾多的攝影愛好者不惜血本，投入攝影行業，但是攝影行業也不是隨便就能學會的，因此學習攝影也成了當今時代的熱門專業。

攝影專業培養具備廣泛的科學文化和藝術理論知識，具備電影、電視、廣告、圖片攝影攝像能力。能在電影廠、電視製作部門、廣告宣傳部門、音像出版部門從事攝影藝術創作、教學和研究工作的高級專門人才。

面紗背後的細枝末節

隨著攝影領域社會需求的不斷擴大，分類也越來越精細，有商業攝影，藝術攝影，時尚攝影，新聞攝影等等。而攝影作為一項活動也有一門技藝變成一種藝術表現形式。攝影所從事的不僅僅是一項技術性工作，更多的是要進行藝術創作，這是對攝影師的體能、意志和能力的綜合考驗。準備成為攝影師的同學們，你們做好接受考驗的打算了嗎？

作為一名合格的攝影師，一定要具備四方面的素質：

1、首先要具備社會責任感和敬業精神；

2、其次要具備紮實的技術功底和全面的藝術素養：技術能力要求嫻熟地掌握和運用手中的機器設備；藝術素養要求具備較強的畫面美學意識和視覺表現能力；

3、再次要有現場應變能力和現場創作能力；

4、最後要有市場思維，與客戶保持良好溝通。

攝影系大多劃分在藝術學院，這些學校有些是將攝影科系設為獨立的科系，有些則是隸屬藝術系、美術系或視覺設計系中，學生可根據自己的志向與專長選擇主修科目。

而常見的攝影專業方向有紀實攝影、純藝術攝影、時尚攝影，出國學習攝影更多的是一種審美的提升。許多學院派的導師是來自各行各業的專業優秀攝影從業者，會從不同角度來審視學生作品，從而給出中肯的意見，幫助學生進步。

在學習攝影的道路中，我們會慢慢隨著時間在器材和技法上駕輕就熟，但總是感覺只能拍出看上去美，但美的沒有內涵的糖水片，這就讓人迷惘又不爽了。我們缺少了什麼？那麼怎樣的照片才算得上一張好的攝影作品，怎樣去拍攝一張「有意義」的照片呢？

創意拍攝，豐富你的素材庫

攝影作為如今最高效的創作方式，讓設計靈感收集的門檻變得更低，讓原創也有了更多的可能。

如果同學們真的希望在攝影的過程中鍛煉自己的創意和創作能力，一個很好的方式是針對同一個拍攝實物，然後用10個不同的角度和方式去拍攝。

Tip：拍攝的可以考慮嘗試幾個方面的變化，比如角度、光線、顏色等等的變化，在每一次的拍攝中去感受這些細節的變化所帶來的拍攝結果的不同。這個方式對創作者角度和眼光的把握能力有特別明顯的提升。

以某一個主題，對周遭符合這一主題的事物進行拍攝。

拍攝的主題可以非常的生活化，時尚化，比如愉悅的瞬間，比如跳舞的始末，比如光線的探索，比如明明生氣了還要極力剋制自己的表情，比如門前的街道，等等。

關於黑白照的拍攝，主要體現了設計者對黑白色調過渡的掌控能力，以及相應的明暗的變化，強弱光線的變化以及對比度的把控力等方面。

在系列攝影中，影像作為作者敘事與讀者溝通的媒介，攝影者需要思路清晰的把握好每一個鏡頭語言，為讀者建立「可經歷性的」視覺體驗，使讀者在閱讀的過程中感受到身臨其境、感同身受的感官衝擊。在成系列的攝影作品中，敘事性圖像絕非孤立的單幅作品，攝影者可以通過時間、空間、人物、因果等方式將成組的視覺圖像串聯成完整的敘事結構。

通過攝影的方式以及所拍攝的一系列內容，組合成一個視覺化的故事在作品集中呈現。照片中的內容可以隨意按照同學們自己腦海中構想的故事去拍攝，注意圖片彼此之間角度和細節上的起承轉合。

如果想在拍攝的過程中挑戰自己，不妨給自己多一點難度上的嘗試——僅通過三幅圖片展示完整個故事，第一張是介紹性畫面，第二張是故事的全景展示，第三張是矛盾或細節，突出故事想要呈現給人的感受。

用一個鏡頭拍出油畫的feel

攝影師 Matt Molloy 的很多攝影作品都利用「時間堆疊」的技巧創作出了美輪美奐的天空，這些令人驚奇的照片不斷引來許多網友的好評，那麼如何才能用攝影器材的鏡頭拍出油畫的既視感呢？本技巧主要針對於雲朵和天空的拍攝。

靈感來源於延時攝影這一攝影技術。時間堆疊就是將一段視頻濃縮成一張照片。照片中，天空中雲的運動軌跡就如同是用畫筆畫上的一樣，讓人覺得是在欣賞畫作。這組照片帶給人們別樣的時間觀和獨特的運動感，將攝影與抽象藝術相結合，去捕捉一直處於移動中的天空的迷人景象。

首先需要一些有意思的雲，一個固定的對焦點以及最終呈現在眼前效果的精良後期技術。為了創作這些照片，可以將多張照片合稱為一張照片。這時候要做的第一件事就是拍攝一個時間推移效果的畫面（從一個固定位置拍攝多張照片），然後在ps中，把幾張照片結合在一起。

在拍攝表現時間流逝效果的照片時，拍攝每張照片之間的間隔時間，會在極大程度上改變畫面最終的視覺效果。焦段的拍攝間隔可讓畫面中雲的運動軌跡看上去更細膩，而較長時間的拍攝間隔可以在移動物體之間創造出距離或空間。這會形成一個階梯變化的畫面視覺。移動元素的速度也很重要，移動快些的物體會在畫面中留下空白，而較慢的物體則會在畫面中留下更流暢的軌跡，而這也取決於拍攝間隔的長短。為了合併照片，可以用PS里點光圖層混合模式，這增加了每張連續照片中元素的亮度。一旦將圖像混合後，可以進一步調整畫面層次和對比度來壓暗色調。

TIPS:

　1：使用三腳架和快門遙控器，以確保拍攝時間流逝軌跡（慢速快門）時畫面與畫面之間沒有移動。

　2：用手動模式拍攝，以確保照片持續穩定的曝光。對高光部分曝光（也就是要優先保留最亮區域細節）。

　3：拍的夠多，80到600張左右。

4：建議大家，不是所有的時間堆疊都需要用到前期拍攝的每一張照片素材的。如果一次性合併了太多照片，有可能會讓畫面看上去很混亂，這樣的話，就應該減少照片量。通常可以先用全部的照片開始合成來獲得一個大概效果，然後選擇性的減掉一些，再做一次合成嘗試。所以這裡沒有一個準確的照片數量，需要你不斷去嘗試，最終合併成一張完美的作品。

掌握構圖小技巧

將畫面中的風景或是其他主體作為引導線，將欣賞者的目光匯聚於焦點。這種構圖方式只要在生活中稍加留心，就能得到很廣泛的應用。

目前大多數相機及手機都內置了九宮格輔助構圖線，初學時，可以打開輔助線，幫助構圖。

其實非常簡單，只要在腦海中記住「井」格的四個交叉點的大致位置，在自己攝影的時候將被拍攝的主體放在一處交叉點附近即可。

即，三個視覺中心為景物的主要位置，三點連線形成一個正三角、斜三角或者是倒三角形狀。正三角一般會賦予畫面安定感，可以拍攝一些肅穆的題材，比如說「我愛北京天安門」。斜三角或者是倒三角形狀呈現動感，可以拍攝人像或運動題材。

用景物形成框架做為前景，使照片產生縱深的感覺，亦可用於突出拍攝主體。

攝影創作無論使用何種構圖方式，都需要密切結合攝影的主題，並根據周圍環境，抓住拍攝主體，將其放置於畫面中最恰當的位置。這句話說著容易，但絕對是需要經過無數練習，才能逐漸掌握的一種藝術直覺。

很多朋友在當初學習的時候，都是背著單反去各地採風，也沒有辛苦可言，因為畢竟熱愛，並且自己選擇了這行。現在隨著科技發展，微單、手機等攜帶型的攝像工具為我們日常訓練攝影提供了更大的便利。所以，如果熱愛，可以按以下方法嘗試訓練：

第一步：根據自己的個人愛好，找到自己喜歡的題材，比如，人像、風景、人文、建築等

第二步：百度輸入xx題材攝影大師，如人文攝影大師

第三步：大量搜索大師作品，在欣賞中學習

第四步：照著優秀作品的構圖、用光的方式，開始嘗試大量模仿

第五步：結合自己每次出去採風的結果，與優秀作品對比，並總結

第六步：不斷重複第三步、第四步、第五步

攝影留學·美國篇

自1980年代以來，新馬克思主義、女性主義、酷兒理論、心理分析學派等理論越來越多地出現在美國攝影教學與實踐之中，攝影成為了各種跨學科的學術實踐結合體。大量的閱讀材料以及課堂討論是攝影學習的常態，攝影碩士的培養目標是具有獨立思考和創作能力的藝術家。以下是9所著名美國高校攝影相關專業（按大學首字母排列）的中國留學生推薦他們就讀學校的特色課程。

加州藝術學院的純藝術研究生採取不分專業自由選課的模式，在課程上除一門圖像類的「作品評論（Critique）」選修課外幾乎沒有其他攝影類課程。此外，CCA採用多導師制，學生可以自由決定自己的導師及導師的數量（3-8名）。導師不僅限於學校的在職老師，學生還可以申請校外的藝術家或者專家學者作為自己的導師。

芝加哥哥倫比亞學院的攝影研究生部剛剛經歷了教學系統改革，從最初的三年制改為了北美院校普遍認可的兩年制，並增加了一門必修的「研究生論壇（Graduate Forum）」課程，用來輔助作為研究生課程核心的「作品研討課（Graduate Seminar）」。不同於側重批評個人創作本身的研討課，論壇課程的核心是通過看展覽、參觀藝術家工作室等方式儘可能多地提供學生校外的體驗與機遇。通過與位於教學樓內的當代攝影美術館（Museum of Contemporary Photography）的密切合作，該門課程有更多的機會可以邀請策展人與藝術家前來講座，並且加入課程與學生就藝術創作進行探討。

普瑞特藝術學院攝影專業在本科時期屬於獨立專業，在研究生項目中，攝影專業隸屬於藝術系（油畫、版畫、雕塑、攝影、多媒體專業）。這一特點也給攝影專業的研究生提供了相對開放的創作空間，打開了學生對影像與當代藝術關係的更多探索。研究生一年級有攝影沖印、攝影與影像、攝影史等必修課程。與藝術系其他專業的學生同樣擁有自己的獨立工作室外，攝影專業研究生還配置兩人共用的暗房。

馬里蘭藝術學院的研究生專業「攝影與電子媒體」開設一門兩學期的攝影理論選修課程「危機世紀（Crisis Century）」。課程內容以人類現代化發展中影響人們觀看世界的模式、改變世界被呈現的方式的重大技術革新為主線，廣泛涉獵19世紀至20世紀各種新興媒介，探討藝術、科學和技術之間的交集。「機器」運用於藝術的討論在課堂中佔有很大比例，除各種傳統攝影術之外，還有電報系統、早期聲音記錄、電影、電影院模式等其他媒體系統，旨在使學生在課程結束後能夠用一種批判的思維看待技術與創造性活動之間的相互作用。

帕森斯設計藝術學院的攝影與相關媒體專業研究生部的必修課中，有一門必修課「圖像主題（Photo Topic）」。其宗旨在於讓學生對當代藝術理論和實踐中湧現的關鍵問題進行思考，以提供學生對於攝影實踐與當代話題之間的關係有更深層次的理解。課程以課堂討論、放映、畫廊訪問、與藝術家見面、周閱讀、寫作、創作和陳述等為主要形式。例如，以「想像系統」為主題的課程，討論了從維多利亞時期的鬼魂攝影起等美學運動；以「策展」為主題的課程要求學生將自己的作品作為參展作品之一，並作為策展人完成一次細緻的展覽策劃。

羅德島設計學院的攝影系在2015年新增了一門名為「從傻瓜相機到Instagram：網路時代的攝影創作（From Instamatic to Instagram: Photographic Practices In The DigitalAge）」的專業選修課。隨著虛擬與現實之間界限的瓦解，圖像被逐漸從自身的物理屬性以及原始作者和背景中抽離。在這堂課上，作為全球圖像共享圈的一員，學生們將接觸到近十年來優秀的當代網路攝影藝術作品，閱讀和討論這些作品的評論文章，並以自己上傳到各種社交媒體的圖片選集作為切入點，在此基礎上獨立完成兩到三件不同的作品。

「數字列印（Photo PrintProcess）」很能代表羅切斯特理工學院在攝影教學上的理念和風格—注重工藝與技術。任課老師Patricia Russotti教授是Lightroom的研發人員，擁有豐富的數字攝影創作及教學經驗。老師會根據學生掌握軟體的程度來補充一些背景知識內容；隨後帶領學生測試市面上的各種列印紙張，幫助學生找到最適合呈現自己作品的載體；最後是對工藝和材料的實驗，通過轉印等工藝在絲綢、金屬和塑料等材質上製作影像。課程結束時，學生將掌握各種數字影像製作技術。

舊金山藝術學院是一所非常有代表性的跨學科、跨專業教學的藝術學院。在學習期間能夠對學校開設的所有課程進行學習。這樣的選課系統打破了科系之間的界限，可以根據自己創作的類型在多領域進行學習和實踐。其中「城市景觀（Cityscape）」這門課程主要探討電影中的地域性與政治、文化、城市之間的關係。授課老師每次會選擇一部有強烈地域性特點的電影在課堂上播放。儘管看的是電影，但討論的內容更多集中在政治學、經濟學、類型學、全球化問題以及種族主義等一些話題的展開上。

紐約視覺藝術學院（School ofVisual Arts）的研究生攝影專業全稱為攝影，錄像及相關媒體（Photography Video and Related Media）。由系主任查爾斯?特勞布與格雷厄姆?溫博朗（Grahame Weinbren）合開的一門名為「攝影與電影：一種實踐關係（Photography and Film-A Practical Relationship）」的課程，頗能代表這個專業的特點。這門課程探討了當代藝術創作當中的靜態影像與動態影像之間的關係，並且回溯了形成電影與攝影實踐的歷史及批評語境。此外，這門課程還通過給學生布置各種實踐內容讓學生更加了解不同的藝術創作媒介。

攝影——透過鏡頭解析世界，下一個攝影大師就是你！